The Elem: Interview zu Could It Be Me?

M.L. Leichter über Glauben, Paranoia und Rock ohne Grenzen

---

---

---

Mit Could It Be Me? eröffnet The Elem ein neues Kapitel zwischen Rock, Alternative, Techno und vielschichtigen Klangideen. Hinter dem 2025 in Portugal gegründeten Projekt steht Songwriter und Produzent M.L. Leichter, der mit einem international arbeitenden Kreis wechselnder Musiker kollaboriert. Im Interview spricht er über die Inspiration der neuen Single, die Verbindung von Glauben und Paranoia sowie die kommenden Songs der EP Perhaps, It’s Me.

Was hat während deiner Reisen in Goa die Verbindung zwischen Glauben, Paranoia und Selbstbezogenheit ausgelöst, die Could It Be Me? inspiriert hat? Und wie hat sich Could It Be Me? dir ursprünglich gezeigt? Du beschreibst dein anfängliches Songwriting als einen Moment des Entdeckens statt des Konstruierens.

Als ich mich hinsetzte, um die Lyrics für Could It Be Me? zu schreiben, wusste ich, dass ich in der Melodie der Strophen eine allgemeine Freiheit hatte, eine Geschichte zu erzählen. Also begann ich, an einige Geschichten von meinen Reisen in Indien zu denken - zunächst ohne etwas Bestimmtes im Sinn zu haben, einfach an Geschichten und visuelle Bilder. Eine Person auf einem Motorrad auf dem Land, die von einem Ort zum anderen reist, und dazwischen eine Fähre von Anjuna nach Arambol. Und eine Szene auf einer Rave-Party.

Als ich begann, die Geschichte zu schreiben und zu bearbeiten, dachte ich über Paranoia und Glauben nach und über die Verbindung zwischen ihnen - etwas, worüber ich schon sehr lange nachdenke. Zuerst versuchte ich zu verstehen, wie man Überzeugung definieren kann. In der Wirtschaft betrachten wir Dinge als rational oder als Gefühle, aber für mich passt Überzeugung in keine dieser Kategorien. Was ist sie also?

Paranoia ist im Wesentlichen die Überzeugung, dass es irgendeine Art von Gruppe gibt, die mit allem verbunden ist, alles kontrolliert und alles weiß, was in dieser Welt geschieht, einschließlich unseres Lebens. Viele von uns sind paranoid, nur in unterschiedlichem Ausmaß. Vielleicht könnte man argumentieren, dass wir alle paranoid sind, mit unterschiedlich viel Kontrolle und Bewusstsein.

Dann wurde mir eines Tages klar, dass Glaube dem paranoiden Gehirn eine Lösung bietet. In der Zeit der vielen Götter brachten Menschen Menschenopfer dar, weil sie glaubten, die Götter kontrollierten ihr Leben und ihr Schicksal. Das könnte man als einen paranoiden Menschen beschreiben, der versucht, sich mit der Gruppe zu arrangieren, indem er das Leben eines anderen opfert statt sein eigenes.

Später, mit der Entstehung eines einzigen Gottes und der Abschaffung von Menschenopfern, während weiterhin Tiere geopfert wurden, etablierte diese religiöse Kultur im Grunde die Vorstellung, dass jemand oder etwas alles in dieser Welt und in unserem Leben kontrolliert: Gott. Und indem wir den Namen Gottes verwenden und behaupten, etwas sei Gottes Gebot, können wir Menschen zu bestimmten Verhaltensweisen anleiten und die Gesellschaft nach der gewählten Vorstellung organisieren.

Das ist ein interessanter Tausch: Der Glaube an Gott kann dieses paranoide Element wirksam nehmen und Erleichterung bieten.

Zuerst verband ich diese Idee mit den Geschichten in den Strophen. Als ich dann die Refrains schreiben musste, kamen die Worte einfach zu mir. Während ich mit unterschiedlichen Varianten spielte, erkannte ich plötzlich eine dritte Verbindung: zwischen Selbstgefälligkeit, Selbstbezogenheit und Egozentrik einerseits sowie Paranoia und Glaube andererseits.

Die Gedanken entwickelten sich, als ich Fußballspieler sah, die Gott danken, wenn sie ein Tor schießen, Gott aber nicht die Schuld geben, wenn sie eines verfehlen. Sie entstanden auch durch Begegnungen mit oder Beobachtungen von Menschen, die rational zustimmen könnten, dass es so etwas wie Intuition nicht gibt - mit Bezug auf Kahnemans Idee vom schnellen Gehirn -, außer wenn es um sie selbst geht. Sie haben Intuition. Sie sind besonders. Das bedeutet in gewisser Weise, dass sie sich selbst als gottähnliche oder gottnahe Menschen sehen.

Es gibt auch Menschen, die schreckliche Umstände überleben und anschließend glauben, sie seien irgendwie ausgewählt worden. Und dann gibt es die vergangenen Jahrzehnte, in denen so viele Menschen sich ständig selbst ins Zentrum der Welt oder Geschichte gestellt haben, indem sie ihre Meinungen, Bilder und Videos veröffentlichten, ohne Experten für ein Thema zu sein, ohne zwingend ein besonderes Talent oder etwas Besonderes anzubieten, und sich dennoch selbst zu etwas Besonderem erklärten.

All das brachte mich dazu, die Frage aufzuwerfen: Könnte ich im Zentrum von allem stehen? Das wurde zum dritten Element, das alle drei Themen verbindet: Glaube, Paranoia und Selbstbezogenheit.

Der Glaube an Gott kann dieses paranoide Element wirksam nehmen und Erleichterung bieten.

Wie funktioniert der Prozess der Zusammenarbeit aus der Ferne bei The Elem, wenn ein wechselnder Kreis internationaler Musiker zusammenkommt?

Ich lebte in einer kleinen, weniger dicht besiedelten Gegend im Süden Portugals, während die Mehrheit der Musiker in der Umgebung von Lissabon und Porto ansässig ist. Also begann ich, portugiesische Musiker zu kontaktieren, die in unterschiedlichen Teilen des Landes leben, und per Video aus der Ferne mit ihnen zu arbeiten. Dann dachte ich: Wenn ich ohnehin schon remote arbeite, warum sollte ich die Zusammenarbeit auf Portugal beschränken?

So wurde daraus eine grenzüberschreitende Zusammenarbeit. Jedes Mal, wenn ich einen neuen Musiker oder Mixer brauchte, begann ich, weltweit Kontakte aufzunehmen.

Du hast erwähnt, für jeden Song mehrere Sänger aufzunehmen, bevor du dich entscheidest. Welche emotionalen Qualitäten gaben für die finale Gesangsperformance dieses Tracks den Ausschlag?

Es ist schwer, Emotionen zu quantifizieren. Es ist ein persönliches Gefühl, das ich selbst rational nicht vollständig verstehe. Alle Sänger, mit denen ich gearbeitet habe, sind professionelle Sänger, und alle sind gut. Die Frage ist, wer diese persönliche Einzigartigkeit einbringen kann, die unsere Emotionen in einem bestimmten Song und einer bestimmten Produktion auf besondere Weise berührt - die Art von Magie hervorbringt, durch die wir eine Person lieben, ohne sie überhaupt zu kennen, und uns emotional mit ihrer Seele verbunden fühlen, mit dieser unbekannten Welt der Verbindung zwischen Menschen.

Ich sehe darin keine Wissenschaft. Ich habe keine Formel, um das vorherzusagen. Es ist Versuch und Irrtum, bis wir es erreichen. Viele Musiker würden sagen, dass der erste oder zweite Take oft der beste ist. Das bedeutet, die Magie passiert in diesen ersten Aufnahmen oder sie passiert überhaupt nicht. Manche nennen das, die Götter der Kunst oder Musik zu beschwören. Und vielleicht wird irgendwann in der Zukunft jemand anderes eines meiner Lieder covern, und ich werde denken: Diese Vocals gefallen mir besser.

Wie bist du vorgegangen, um so unterschiedliche Einflüsse wie Rock, Alternative, Techno und afrikanisch inspirierte Drum-Grooves zu einem stimmigen Sound zu verbinden?

Das kommt von meinem Musikgeschmack. Ich war nie ein Mensch für nur ein Genre, und es gibt keine einzelne Farbe, die ich am meisten mag - ich mag mehrere Farben. Ich mochte es schon immer, neue Dinge in Bereichen zu lernen, die mich neugierig machen oder für die ich Leidenschaft empfinde. Als ich aufwuchs, hörte ich bereits viele unterschiedliche Arten von Musik und hatte nie das mentale oder körperliche Bedürfnis, mich vollständig nur einem Stil zu widmen oder gegen andere zu sein. Wenn Musik das richtige Gefühl vermittelt, ist sie für mich gut - und sie interessiert mich.

Einer der Gitarristen brachte verschiedene Ideen ein, und eine davon war dieses Techno-Gitarren-Element. Ich liebte es sofort, und wir entwickelten es für den Song weiter.

Die afrikanisch angehauchten Drums im Chor-Break entstanden aus dem Wunsch, an diesem Punkt im Song die Atmosphäre zu verändern, bevor wir mit dem epischen Outro abschließen. Also bat ich den Schlagzeuger, sich von afrikanischen Drums in Rockmusik inspirieren zu lassen und etwas anderes zu machen. Es kam großartig heraus, also blieb es.

Der Chor singt im New-Wave-Stil. Wieder ergab es zunächst Sinn, und danach war es schwer, es sich anders vorzustellen. Und natürlich würden Blechbläser und Streicher, wenn wir sie isolieren würden, nicht wie Rockmusik klingen. Zu Rock wird es durch die Entscheidungen, die wir beim Mix und bei der Produktion treffen.

Wir probierten zunächst sogar eine Art Hardrock-Gesang in den Refrains, aber er passte nicht so gut zu diesem Sänger, also änderten wir es. Das bedeutet nicht, dass mit einem anderen Sänger ein anderer Gesangsstil nicht großartig hätte sein können.

Da ich auch den Hut des Produzenten trage, muss ich darüber nachdenken, was für den Song am besten ist. Als Faustregel versuche ich bei der Arbeit mit Profis nicht, den Künstler zu verändern, damit er zur Musik passt. Stattdessen versuche ich herauszufinden, ob ein bestimmter Künstler gut zu dem passt, was ich erreichen möchte.

Wie hat die Zusammenarbeit mit Mike Fraser geholfen, die vielschichtigen Klangtexturen und den organischen Charakter der Single zusammenzuführen?

Bevor ich mit Mike arbeitete, war ich mit dem finalen Sound und der Dynamik, die die anderen Mixer geschaffen hatten, nicht glücklich. Es gab so viele experimentelle Ideen, dass das Ergebnis nicht organisch klang, wenn andere Mixer versuchten, sie zu mischen. Für mich macht Mike in seinem Bereich des Sounds Magie. Ich weiß nicht genau, wie er es macht. Ich habe einfach eine stärkere persönliche Verbindung zu dem, was er erschafft. Es klingt für mich natürlich und besser.

Er war der einzige Mixer, den ich fand, der all diese Schichten aus Gitarren, Streichern und Blechbläsern zusammen mit mehreren Melodien und Klangideen so zusammensetzen konnte, dass alles natürlich wirkte und schön als ein Stück, als eine Einheit zusammenpasste.

Ich suchte bei Mike Hilfe, um den Sound von The Elem zu finden und zu erschaffen. Und durch ihn entdecke ich ihn ebenfalls, indem ich ihm sage, was mir gefällt, was bleibt und was einen anderen Sound oder eine andere Dynamik braucht.

Manche Klänge können ein Prozess aus Versuch und Irrtum sein. Im nächsten Song Who’s There wollte ich in der ersten Strophe einen Chorus-Effekt hinzufügen und die Vocals nah und intim klingen lassen. Er schuf etwas, das mir gefiel, und ich bat ihn dann, es noch näher und intimer zu machen. Das veränderte aber den Klang und den Effekt vollständig, und es gefiel mir nicht mehr. Also gingen wir zur vorherigen Version zurück, die ich liebte.

Ein großer Teil der Gespräche dreht sich um die Dynamik zwischen Instrumenten, die Klarheit einzelner Instrumente und darum, was ich lieber links, rechts oder in der Mitte haben möchte. Ich versuche nie, ihm zu sagen, wie er etwas tun soll, sondern erkläre die Vision für den Sound und, wenn es relevant ist, was für jedes Instrument oder jeden melodischen Part wichtig ist.

Für diese EP hatte ich bereits gute Demo-Mixes als Ausgangspunkt, was mir half, besser zu verstehen, was funktioniert und was nicht. Dann kommt Mike mit dem ersten Entwurf zurück, und von dort geht es darum, ihm mitzuteilen, was mir gefällt und was ich ändern möchte.

Über die technischen Fähigkeiten hinaus braucht es also eine künstlerische Verbindung. Ich fühle und glaube, dass Mike perfekt zu dieser Musik passt.

Über die technischen Fähigkeiten hinaus braucht es eine künstlerische Verbindung.

Wie dient das surreale Setting eines Raves auf dem Land als Hintergrund für den inneren Konflikt des Erzählers zwischen Wahn und Realität?

Das war nicht beabsichtigt. Aber ich mag persönlich surreale Kunst und Metaphern. Ich ziehe es vor, dass Kunst durch die eigenen Lebenserfahrungen zu unterschiedlichen Menschen spricht, statt sich um mich zu drehen. Wenn es Kunst ist, muss sie für sich selbst leben. Als Schöpfer bin ich nur hier, um dem Publikum zu bringen, was mir gegeben wurde, damit ich es erkunde und bespreche.

Am Ende eines ganzen Buches erinnere ich mich vielleicht an ein oder zwei Zeilen, an ein oder zwei Ideen. Ein Song kann eine Geschichte erzählen oder eine Sammlung von Ideen und Metaphern sein. Wenn er fertig ist, frage ich mich gern: Woran werden wir uns daraus erinnern? Gibt es eine schöne Zeile, die uns über ihre Bedeutung nachdenken lässt? Gibt es philosophische Fragen, über die man nachdenken kann?

Das interessiert mich mehr. Ich kann eine ganze Geschichte erzählen, nur um zu einer Zeile zu gelangen, die ich sagen möchte. Und wenn diese Zeile durch den Kontext der Geschichte eine größere Wirkung hat, dann habe ich gute Arbeit geleistet.

Ich habe die Settings nicht bewusst ausgewählt, damit sie zur Geschichte passen. Aber das spielt keine Rolle. Entscheidend ist, was passiert, nachdem die Geschichte fertig ist, nachdem der Song fertig ist. Worum glauben andere Menschen, dass es geht? Wie interpretieren sie ihn?

Meine Aufgabe war es, ihn zum Leben zu erwecken. Ich weiß es nicht besser als andere. Ich glaube nicht, dass ich weiß, worum es im Leben geht, also kann ich nicht behaupten, es bei der Kunst, die ich erschaffe, besser zu wissen. Ich habe sie erschaffen und die endgültigen Entscheidungen getroffen. Aber jetzt, da ich sie teile, gehört sie nicht mehr nur mir.

Wie bereitet Could It Be Me? eure kommende EP Perhaps, It’s Me sowohl lyrisch als auch musikalisch vor?

Lyrisch geht es bei The Elem um die persönlichen Kämpfe des Individuums. Es konzentriert sich auf das Leben eines einzelnen Menschen - seinen Geist und seinen Körper -, während dieser Mensch das Leben beobachtet und erlebt. Zu den Themen gehören Glaube, Paranoia, Liebe, Ängste, die Angst vor der Angst selbst, Tod und Unerfülltheit. Letztlich geht es darum, wie es ist, während des gesamten Lebens mit dem eigenen Gehirn in dieser Welt zu leben.

Musikalisch ist die Idee Rockmusik, die auf vielschichtigen Gitarren aufbaut, mit einem starken Fokus auf mehrere Melodien und Klänge, die im Verlauf jedes Songs eingeführt werden. Gleichzeitig sollen die Drums sprechen dürfen, statt einfach einen festen Groove zu spielen. Das Ziel ist, sich allmählich zu einem epischen, überlebensgroßen Punkt zu steigern, an dem unterschiedliche Melodien zusammenlaufen. Einige wurden früher im Song eingeführt und kehren zurück, andere tauchen zum ersten Mal auf, bis sie in einer Art explosivem Höhepunkt alle gleichzeitig spielen und ein kathartisches Gefühl erzeugen.

In diesem Sinn soll jeder Song eine vollständige musikalische Geschichte erschaffen.

Was können Hörer von der emotionalen und musikalischen Ausrichtung kommender Stücke wie Who’s There und Times That... erwarten?

Who’s There untersucht die Beziehung zwischen einem Enkel und seinem Großvater durch eine recht einzigartige und ehrliche Reflexion, in der der Erzähler, der Enkel, sich selbst eingesteht, wo er falschlag.

Der Song wurde nach dem Tod meines Großvaters geschrieben und versucht, Liebe und Trauer auf feierliche Weise einzufangen. Er erinnert uns daran, dass wir alles andere als perfekt sind.

Während die Musik ein Gefühl von Göttlichkeit, Liebe und Vergebung vermittelt, bieten die Lyrics keine Vergebung. So bleiben uns Liebe und Bedauern für immer. Beginnend mit intimen männlichen Vocals, steigert sich der Song allmählich zu einem großen Outro, das die Spannung in einer explosiven Katharsis auflöst. Die Lead-Vocals schreien mit Rock-and-Roll-Leidenschaft neben einem singenden Chor, während neue melodische Gitarren, Streicher und epische Drums in etwas zusammenlaufen, das ein Gospel-artiges Gefühl mit Rock-Größe verbindet und Traurigkeit in eine Feier des Lebens verwandelt.

Times That... handelt von Sehnsucht, Selbstfindung und der Komplexität des Bedürfnisses nach Liebe und Verbindung. Sowohl musikalisch als auch lyrisch erforscht der Song die psychologische Reise der Trauer nach einer verlorenen Beziehung - die fragmentierten Erinnerungen, die langsame Erkenntnis dessen, was wirklich gefühlt wurde, und den Schmerz und die Schönheit einer menschlichen Liebesbeziehung.

Lyrisch erkundet er eine Reihe von Erinnerungen, während es musikalisch keine klassischen Refrains gibt. Stattdessen ist der Song eine Reise, die wir fühlen. Seine Strophen und Bridges entwickeln sich melodisch, während sich die Dynamik fortwährend verändert. Kurz bevor das epische Outro beginnt, rücken die letzten Zeilen die zentrale Frage des Songs in den Fokus:

Vielleicht bin ich wie die Rose,
so schön, getaucht in Blut.
Vielleicht bin ich wie Narziss,
und liebe mich, weil niemand sonst zu lieben ist.

Die Rose wird traditionell mit Schönheit, Liebe und Leidenschaft assoziiert, aber hier führe ich Blut ein, das metaphorisch zusätzliche Assoziationen hervorbringt. Narziss aus der griechischen Mythologie ruft unmittelbar Selbstliebe und Schönheit in Erinnerung. Doch hier fragt sich der Erzähler: Was, wenn es niemanden sonst gibt, den man lieben kann? Das kann als Selbstwahrnehmung, Selbstanklage oder Melancholie interpretiert werden. Es mag so wirken, als komme der Gedanke zu einer Auflösung, tatsächlich bleibt er aber ungelöst.

Von dort aus bricht der Song in eine Improvisation aus schreienden Vocals und schönen Melodien aus.

Der Song beginnt mit einem männlichen Sänger und weiblichen Backing-Vocals, verlagert den Fokus dann auf die Sängerin, kehrt anschließend zu einem männlichen Solo-Gesang ohne Backing-Vocals zurück und wechselt danach vollständig zur Sängerin. Schließlich endet er mit beiden Stimmen zusammen. Man könnte es ein Duett nennen, aber nicht in der Form, wie wir Duette kennen.

Wie stellst du dir vor, dieses internationale Studioprojekt mit seinen gesangsartigen Passagen für die Beteiligung des Publikums in ein Live-Erlebnis zu übertragen?

Für Live-Auftritte kombiniere ich gern professionellen modernen Tanz und Videokunst, um Geschichten durch Bewegung und visuelle Elemente zu erzählen. Es geht darum, Metaphern für Lebensfreude und Leid zu erforschen und eine unbekannte Welt zu schaffen, etwas wie Alice im Wunderland. Die Idee ist, Menschen in eine neue Welt zu bringen und sie auf eine chaotische Reise durch den Geist und ins Unbekannte mitzunehmen.

Wenn es Kunst ist, muss sie für sich selbst leben.