Patchwork Rattlebag: Im Interview mit John Lowndes

Fragments 1 – Das Interview zum Debütalbum

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Mit Fragments 1 legen die Künstler ihr erstes Album vor – ein Werk, das sich zwischen elektronischen Klangflächen, experimentellen Gitarren und träumerischen Soundscapes bewegt. Im Interview mit John Lowndes sprechen wir über die Entstehung, die Einflüsse und was es bedeutet, Schönheit und Dystopie in einer Platte zu vereinen.

Fragments 1 ist euer Debütalbum – wie würdet ihr die Reise beschreiben, die zu seiner Entstehung geführt hat?
Wir sind eigentlich auf die Idee gekommen, ein Album zu machen, als wäre es etwas Neues. Wir hatten zuvor kontrastreiche Tracks geschaffen, an Installationen gearbeitet und konzeptionelle Sammlungen zusammengestellt, aber wir hatten uns nie auf das bewährte Format eingelassen. Ich bin jedoch froh, dass wir es getan haben!

Das Album entstand zwischen Mitgliedern in mehreren Studios, und ich denke, jeder Track hat eine andere Hintergrundgeschichte.

Das ist einer der Gründe für den Titel. Einige der Tracks, wie „Shade of My Mind“, begannen auf der Akustikgitarre und durchliefen erhebliche Transformationen. Andere wurden in verschiedenen Formen im Studio ausprobiert. Und dann gibt es noch die Fragmente. Jedes Fragment ist eine Art Experiment, das auf einer musikalischen Idee aus einem anderen Teil des Albums basiert.

Eure Musik verbindet psychedelische Electronica, experimentelle Gitarren und ätherische Klangwelten. Wie balanciert ihr so unterschiedliche Einflüsse im Songwriting?
Wir neigen dazu, thematische Verbindungen zu haben, die die Elemente eines Tracks zusammenhalten. Das gibt uns eine Begründung, wenn wir Elemente auswählen, und dann, was wichtig ist, nutzen wir unsere Ohren, um es zu formen. Zum Beispiel ist „Abschattungen“ eine phänomenologische Idee, die oft am Beispiel von Formen wie einer Pyramide veranschaulicht wird. Das ist einer der Fäden, die sich durch die Komposition ziehen.

Die Texte für diesen Track sind in Strophen zu drei Zeilen geschrieben (imitiert die drei sichtbaren Punkte, die man von einer Seite einer Pyramide aus sehen kann). Es gibt auch drei Hauptabschnitte, und Pyramidenbilder tauchen etwa auf halber Strecke des Tracks auf. Manche Elemente folgen drei Takten mit fünf Schlägen (eine weitere Drei-Punkte-Idee), deren Wahrnehmung jedoch durch ein gleichzeitiges, wechselndes Metrum (7 Schläge gefolgt von 8) verschleiert wird. Aus demselben Grund, „verschleierte Wahrnehmung“, haben wir manipulierte Field-Recordings eingebaut. Wir haben auch Texturen aus gedehnten und glitchenden Stimmen erschaffen, die das vollständige Verständnis von Worten verschleiern. Aber darüber hinaus sind die Gitarren und die Gesangslinie recht süß und auf eine traditionellere Weise eindringlich.

Die Konzepte erlauben also eine seltsame Mischung von Elementen – sie versetzen dich an einen Ort, den du sonst nicht erreicht hättest – aber dann formen wir es intuitiv mit den Ohren.

Das Album erforscht den Raum zwischen dem Sichtbaren, dem Hörbaren und dem Unsagbaren. Was bedeutet das für euch künstlerisch?
Es gibt ein paar Ideen im Album, die das veranschaulichen können. In „Abschattungen“ gibt es den Gedanken an die unsichtbaren Teile, die zur vollen Wahrnehmung beitragen. „To Find a Place“ erforscht den Einfluss unmerklicher sozialer Beziehungen und deren Auswirkungen, wenn man überhaupt erst einen Ort findet, von dem aus man sprechen kann. Die Texte von „On My Own“ versuchen – und scheitern wahrscheinlich – etwas leicht Optimistisches zu sagen, während sie mit nihilistischen Bildern von der Weite des Universums arbeiten. Aber dieser Sinn von Optimismus wird durch die Interaktion der Worte mit der musikalischen Umgebung hörbar gemacht.

Tracks wie Shade of My Mind und Hook, Line and Riser stechen durch ihre kontrastierenden Stimmungen hervor. Wie entscheidet ihr, welche Richtung ein Song einschlägt?
Es ist wieder das Thema. Die Synths und Beats von „Shade of My Mind“ sind kraftvoll und gleichgültig. Es gibt viel Raum im Track, und ich denke, Adam hat dieses Gefühl gewählt, um die Aussage der Zeile „das gesamte Universum“ zu unterstützen. Die Vocals haben Dringlichkeit, aber die Texte konzentrieren sich auf das Banale und sind insgesamt eher niedergeschlagen. Ich denke, dass die musikalische Umgebung einen universumartigen Hintergrund bietet und die Vocals typisch menschlich sind.
„Hook, Line & Riser“ handelt vom Fragmentieren und Bauen von Selbstbildern und sozialen Gruppen. Die glitchenden, collagierten Vocals und all die kleinen Feedback-Stücke sind ein Weg, die Fragmentierung zum Leben zu erwecken. Die auf Obertönen basierenden, harmonischen Backing-Vocals und Elemente wie die Basslinie sind Teile, die ein Gefühl von Zusammenhalt erzeugen.

Das Album enthält experimentelle Interludes. Welche Rolle spielen sie für den Gesamtablauf?
Ich denke, dass sie die Fragmentierung betonen. Sie zu schreiben hat uns großen Spaß gemacht, weil sie uns viel Freiheit gaben, mit der Produktion zu experimentieren. Wir wollten einige Ideen von innen nach außen kehren und uns von der Intuition leiten lassen, sie neu zu konstruieren.

Man nimmt Material, probiert Dinge aus, macht ein Chaos und formt dann etwas daraus.

Ich denke, wir könnten eines Tages noch weiter gehen und ein ganzes Projekt aus kürzeren, collagierten Ideen machen. Die Herausforderung liegt darin, wie sie nebeneinander funktionieren.

Eure Texte berühren Themen vom Kosmischen bis zum Alltäglichen. Wie übersetzt ihr so abstrakte Ideen in Musik?
Ich denke, dass amalgamierte vorbewusste Ideen in der Musikkomposition eine große Rolle spielen. Wenn du von Musik oder Kunst, Worten, Ideen usw. besessen bist, ist die Wahrscheinlichkeit groß, dass du über die Jahre hinweg vieles aus deinen Einflüssen verarbeitet hast. Es ist wahrscheinlich unmöglich, jeden einzelnen zu benennen, wie sie deinen Prozess unterstützen, aber die Sammlung ist definitiv am Werk. Ich denke, deine Aufgabe ist es, das kohäsive Element all dessen zu sein.

Du bist der Punkt des Zusammenflusses – du stellst die Verbindungen her.

Zusammenarbeit scheint zentral für eure Arbeit. Wie tragen die drei Kernmitglieder unterschiedlich zum kreativen Prozess bei?
Unsere Rollen sind nicht unbedingt festgelegt, und manche Teile werden nicht wirklich gewürdigt. Zum Beispiel Teil von Gesprächen zu sein, die zu Texten führen könnten, Ideen beizutragen, die die Identität des Projekts prägen, und so weiter. Aber grob gesagt: Chantelle ist eine audiovisuell arbeitende Künstlerin, die mit Konzepten arbeitet; Adam ist Produzent, Arrangeur und Multiinstrumentalist; und ich bin im Wesentlichen ein Singer-Songwriter, der produziert. Der Bassist auf dem Album ist Mark Wagstaff.

Wir arbeiten auch gerne mit anderen Künstlern zusammen. Das Albumcover, das wir lieben, stammt von Femi Da Costa. Wir haben mit Stephen Matthews an Bildern der Band gearbeitet. Wir haben auch zukünftige Kooperationen geplant. Eine interessante wird unser Projekt mit der Sängerin Mo Shabaka sein.

Ihr integriert oft andere Kunstformen in eure Musik. Könnt ihr Beispiele nennen, wie visuelle oder konzeptuelle Kunst Fragments 1 geprägt hat?

Ich denke, ich habe schon viel über Konzepte gesprochen (ich kann eigentlich auch ein lustiger Mensch sein, ehrlich!).

Was visuelle Kunst betrifft: Mehrere Songs, wie „Abschattungen“, haben visuelle Themen. Dazu haben wir viel visuelles Material, das mit den Songs verbunden ist. Sie stärken die Konzepte. Am offensichtlichsten sind die Musikvideos. Das Video zu „Hook, Line & Riser“ enthält digital zerbrochene Bilder. Es gibt Symbole fragmentierter Subjektivität, wie abgetrennte Augen, Hände, Münder, chirurgische Prothesen usw. Außerdem gibt es Bilder, die Chantelle für unsere Live-Shows mischt. Jeder Song hat visuelle Elemente, die Teil der Arbeit sind.

Das Album vereint Schönheit und Dystopie, Struktur und Chaos. War dieser Kontrast von Anfang an beabsichtigt oder hat er sich entwickelt?
Ja, das war beabsichtigt. Wir mögen so etwas einfach sehr. Ich denke, es hilft, Dinge zu illustrieren, die schwer darzustellen sind. Wir kreisen darum und lassen die Verbindungen entstehen. Manche Elemente auf dem Album sind massiv übertrieben und werden dann zu etwas banal Alltäglichem zurückgebracht. Ebenso arbeiten wir oft mit traditionell schönen Elementen, die durch etwas Raues und Ungeordnetes ergänzt oder untergraben werden. So ist das Leben ja ohnehin, daher wäre es wahrscheinlich künstlicher, diese Dinge voneinander zu trennen.

Was erhofft ihr euch, dass die Hörer aus Fragments 1 mitnehmen – emotional, intellektuell oder spirituell?
Ich sage gerne, dass wir das nicht vorschreiben. Es ist die Aufgabe des Hörers, und hoffentlich ist es eine angenehme Erfahrung. Wenn es dir gefällt, aus welchem Grund auch immer, sind wir glücklich, und du bist absolut gerechtfertigt in deiner Begründung. Und wenn es dir nicht gefällt, ist das auch in Ordnung –

Musik ist eine große Welt, und es gibt für jeden etwas.

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